Refractaria es la exposición individual de Camilo Yáñez presentada en el Museo de Arte Moderno (MAM) de Chiloé, una exhibición que ofrece un recorrido por una selección de obras que exploran la complejidad de la historia reciente de Chile. El título de la muestra alude a la idea de resistencia y rebeldía, evocando un concepto definido por la RAE como "refractario": alguien o algo que rehúsa cumplir una obligación o que se resiste a recibir o admitir ideas, opiniones o costumbres. Así, la propuesta se erige como una metáfora del devenir chileno, desde el golpe militar del 11 de septiembre de 1973 hasta el fracaso constitucional del 4 de septiembre de 2022, reflejando un trayecto social caracterizado por paradojas, contradicciones y la persistencia de manipulaciones, fantasmas y miedos anacrónicos.
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Refractaria is the solo exhibition by Camilo Yáñez presented at the Museum of Modern Art (MAM) in Chiloé, offering a journey through a selection of works that explore the complexity of Chile’s recent history. The title of the exhibition alludes to the idea of resistance and rebellion, evoking a concept defined by the RAE as 'refractario': someone or something that refuses to fulfill an obligation or resists receiving or accepting ideas, opinions, or customs. Thus, the proposal stands as a metaphor for Chile’s trajectory, from the military coup of September 11, 1973, to the constitutional failure of September 4, 2022, reflecting a social path marked by paradoxes, contradictions, and the persistence of manipulations, ghosts, and anachronistic fears.

Desde 2017, Camilo Yáñez ha desarrollado una serie de collages irregulares de gran formato, utilizando como soporte las bolsas de papel kraft que se usan habitualmente para despachar mercadería a domicilio. Esta serie se intensificó a partir de 2020, debido a la pandemia de COVID-19, las restricciones de movimiento y las cuarentenas. El confinamiento social a escala global provocó un aumento exponencial en el despacho de víveres a domicilio, incrementando así el uso de bolsas de papel.
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Since 2017, Camilo Yáñez has been creating a series of large-scale, irregular collages using kraft paper bags, which are typically used for home delivery of goods. This series intensified in 2020 due to the COVID-19 pandemic, movement restrictions, and quarantines. The global social lockdown led to an exponential increase in home delivery of groceries, resulting in a greater use of paper bags.

La decimocuarta versión del FIFV reunió a más de 100 artistas en torno a la pregunta “¿Cuál es el borde de tu mirada?”. Esta edición incluyó una retrospectiva sobre el papel de la fotografía en la historia reciente de Chile, con motivo de la conmemoración de los 50 años del golpe de Estado.
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The fourteenth edition of the FIFV brought together over 100 artists to explore the question, “What is the edge of your gaze?”. This edition featured a retrospective on the role of photography in Chile's recent history, commemorating the 50th anniversary of the coup d'état.

Con motivo de los 50 años del golpe cívico-militar de 1973, la Galería de Artes Visuales del Centro Cultural LA PINCOYA presentó la exposición "Fragmentos de Historia" de Camilo Yáñez. La muestra reúne doce obras creadas entre 2010 y 2021, que exploran la fractura provocada por el bombardeo al Palacio de La Moneda y la dictadura cívico-militar que, durante 17 años, dejó un legado de represión con miles de muertos, desaparecidos, torturados y perseguidos. A través de estas piezas, Yáñez busca capturar y preservar la memoria y la resistencia frente a este oscuro periodo de la historia chilena, ofreciendo una reflexión visual sobre las cicatrices colectivas que aún persisten.
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To commemorate the 50th anniversary of the 1973 coup, the Visual Arts Gallery of the LA PINCOYA Cultural Center presented the exhibition "Fragments of History" by Camilo Yáñez.The exhibition features twelve works created between 2010 and 2021, exploring the rupture caused by the bombing of the La Moneda Palace and the civic-military dictatorship that, over 17 years, left a legacy of repression with thousands of dead, disappeared, tortured, and persecuted individuals. Through these works, Yáñez seeks to capture and preserve the memory and resistance against this dark period in Chilean history, offering a visual reflection on the collective scars that still linger.

Dirección de arte y diseño de la publicación "Poéticas Constitucionales de los Pueblos de Chile". A mediados de noviembre de 2019, un grupo de escritoras, artistas visuales, activistas y filósofos transformados en muralistas, nos propusimos crear un sitio web que funcionara como una red de encuentros políticos y poéticos para los movimientos de cambio radical surgidos a partir de las manifestaciones de octubre. En el sitio, www.laultimalinea.cl, se llevaron a cabo dos convocatorias: una dirigida a artistas, invitándolos a ensayar la primera página de la nueva Constitución, y otra para diseñar la portada del libro que se desarrollará a través de la Convención Constituyente. El diseño de la publicación buscó reunir todos los aportes, abriendo el libro a una lectura instituyente y poética, como una forma sensible y conceptual de acompañar el trabajo de la Convención.
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Art Direction and Design of the publication "Constitutional Poetics of the Peoples of Chile". In mid-November 2019, a group of writers, visual artists, activists, and philosophers turned muralists set out to create a website that would serve as a network for political and poetic encounters for the radical change movements that emerged from the October protests. On the site, www.laultimalinea.cl, two specific calls were made: one inviting artists to draft the first page of the new Constitution, and another to design the cover of the book that will be developed through the Constitutional Convention. The design of the publication aimed to gather all contributions, opening the book to an instituting and poetic reading, serving as a sensitive and conceptual form to accompany the work of the Convention.

En 2019, FRANKLIN FACTORY inició sus actividades proponiendo a la ciudad un espacio para la creación, elaboración y manufactura de proyectos locales, convocando una diversidad de oficios, emprendimientos, experiencias artísticas y gastronómicas. La iniciativa de FRANKLIN FACTORY —cuyo impacto ha sido cultural y urbano— recupera el antiguo edificio del Instituto Sanitas, construido en la década de 1940, ubicado en el popular barrio Franklin, en la comuna de Santiago. En 2022, FRANKLIN FACTORY —a través de AFA Galería— convocó al reconocido artista Camilo Yáñez para comisionarle la realización de un proyecto mural permanente en uno de los enormes muros del patio interior de la factoría.
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In 2019, FRANKLIN FACTORY began its activities by offering the city a space for the creation, development, and manufacturing of local projects, bringing together a variety of trades, ventures, artistic and gastronomic experiences. The FRANKLIN FACTORY initiative—whose impact has been both cultural and urban—revives the former Instituto Sanitas building, constructed in the 1940s, located in the popular Franklin neighborhood in the municipality of Santiago. In 2022, FRANKLIN FACTORY—through AFA Galería—invited the renowned artist Camilo Yáñez to commission a permanent mural project on one of the large walls in the factory's inner courtyard.

Durante los primeros días del Estallido Social en Chile, y después de cada jornada de protesta de los viernes, se recogían—en la zona cercana a Plaza Italia—todos los vestigios generados por las armas utilizadas por la fuerza represiva contra la población. Más de cuatrocientos cincuenta ciudadanos quedaron con daños oculares, ceguera, lesiones, heridas y muertos como resultado de la desproporción en el uso de la fuerza por parte del gobierno. "Formas de construcción de una sociedad" es un sistema modular creado a partir de los casquillos percutidos de gases lacrimógenos y cartuchos de balines encontrados en Plaza Dignidad, que fueron sumergidos en hormigón y resina transparente. Otros módulos de la serie están confeccionados a partir de casquillos de balas obtenidos en campos de entrenamiento de tiro y defensa personal, igualmente sumergidos en resina. El material residual de las manifestaciones fue recopilado entre el 18 de octubre de 2019 y marzo de 2020.
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During the early days of the Social Outburst in Chile, and after each Friday protest, all remnants generated by the weapons used by the repressive forces against the population were collected—in the area near Plaza Italia. More than four hundred fifty citizens were left with ocular damage, blindness, injuries, wounds, and fatalities as a result of the disproportionate use of force by the government. "Formas de construcción de una sociedad" (Forms of Constructing a Society) is a modular system created from the spent casings of tear gas canisters and pellet cartridges found in Plaza Dignidad, which were submerged in concrete and transparent resin. Other modules in the series are made from bullet casings obtained from shooting and self-defense training fields, also submerged in resin. The residual material from the protests was collected between October 18, 2019, and March 2020.

"Políticas del Espacio" combina obras conocidas con otras de menor exposición mediática, junto con un puñado de piezas inéditas. Esta muestra ofrece un recorrido por el espacio y el tiempo reciente del arte chileno en el marco de los 20 años del Centro Cultural Matucana 100. La exhibición reúne un conjunto de obras en torno a las múltiples dimensiones de la espacialidad: lo público y lo privado, lo urbano y lo rural, así como otras coordenadas que implican la proyección emocional y social hacia o desde los lugares. Video, instalación, fotografía y pintura son algunos de los recursos que los artistas utilizan para explicitar su relación con esos ámbitos que los obsesionan."
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"Políticas del Espacio" combines well-known works with others that have had less media exposure, along with a handful of previously unseen pieces. This exhibition offers a journey through the space and recent time of Chilean art within the framework of the 20th anniversary of Matucana 100 Cultural Center. The exhibition brings together a collection of works that explore the multiple dimensions of spatiality: the public and the private, the urban and the rural, as well as other coordinates that imply emotional and social projection towards or from places. Video, installation, photography, and painting are some of the resources that artists use to make explicit their relationship with those realms that obsess them.

Serie de collages y serigrafías sobre papeles irregulares que asocian la palabra escrita, la idea fugaz, la gráfica y el color. Se trata de ideas sueltas, desjerarquizadas y desorganizadas que comentan momentos del devenir. Georges Didi-Huberman señala algo clave en la forma de observar los acontecimientos a través de los medios y la propaganda: “Habría que poner la publicidad con los temas ligeros. Aunque eso no es posible. En la televisión después de un reportaje sobre Siria, que es la catástrofe, emiten una receta de cocina. En esta economía periodística hay una equivalencia de los temas y de lo que de verdad se trata es de no hacer paralelismos sino de construir o expresar la diferencia.”
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"A series of collages and screenprints on irregular papers that associate written words, fleeting ideas, graphics, and color. These are loose, de-hierarchized, and disorganized ideas that comment on moments of becoming. Georges Didi-Huberman highlights something crucial in the way we observe events through the media and propaganda: 'Advertising should be placed with light topics. Although that is not possible. On television, after a report on Syria, which is a catastrophe, they air a cooking recipe. In this journalistic economy, there is an equivalence of topics, and what really matters is not making parallels but constructing or expressing the difference."

Dirección de Arte para el proyecto "Rupturas Culturales en Dictadura", que aborda desde diversas perspectivas un período crucial de la historia de Chile. Propone recorridos por el mapa cultural no oficialista de esos años, reconociendo la especificidad de cada uno de sus territorios, al mismo tiempo que señala sus conexiones. "Rupturas Culturales" recupera las historias y los personajes de esa etapa, hasta ahora dispersos en relatos que suelen correr en paralelo sin entrelazarse. Este segundo proyecto de “Construcción de Archivos” incluye entrevistas a actores clave; textos especialmente escritos para la ocasión, que abarcan un amplio espectro de temas; y un documental, "Un nuevo estilo de baile", que evoca la efervescencia creativa y festiva de finales de la dictadura, utilizando la banda sonora del circuito pop y imágenes de archivo de fuentes institucionales y colecciones privadas.
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"Art Direction for the project 'Cultural Breaks in Dictatorship,' which examines a crucial period in Chilean history from various perspectives. It proposes tours of the non-official cultural map of those years, recognizing the specificity of each of its territories while highlighting their connections. 'Cultural Breaks' recovers the stories and characters from that period, which have until now been scattered in narratives that usually run parallel without intertwining. This second project of 'Archive Construction' includes interviews with key figures; texts specially written for the occasion, covering a broad range of topics; and a documentary, 'A New Dance Style,' which evokes the creative and festive fervor of the late dictatorship, using the soundtrack of the pop circuit and archival footage from institutional sources and private collections."

Dirección de Arte para la exposición y el libro Fragilidad y Excesos / Archivo Abierto de la Escena Teatral Chilena 1983-1992, que reúne el registro fotográfico de más de 140 obras teatrales, acciones y performances realizadas por numerosos artistas de teatro y diversos protagonistas culturales de la época. El archivo está compuesto por más de 1,500 imágenes inéditas a color, capturadas de manera análoga en diapositiva.
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Art Direction for the exhibition and book Fragility and Excesses / Open Archive of Chilean Theater Scene 1983-1992, which brings together the photographic record of over 140 theatrical works, actions, and performances by numerous theater artists and various cultural figures of the time. The archive consists of more than 1,500 previously unseen color images, captured analogically on slides.

Dirección de Arte para el proyecto del Centro para las Humanidades UDP, 50 años | La Cultura en la Unidad Popular. Más de 70 personas contribuyeron de diferentes maneras a hacer posible esta iniciativa. El proyecto tiene tres dimensiones: un archivo audiovisual que incluye 32 entrevistas con protagonistas de la época o estudiosos de la misma; una muestra de siete piezas audiovisuales creadas por artistas y cineastas, inspiradas en las "Primeras 40 medidas" del gobierno de Allende; y seis versiones de canciones emblemáticas del período, interpretadas por músicos contemporáneos y registradas en vivo en el Centro GAM (ex UNCTAD).
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Art Direction for the project by the Center for Humanities UDP, 50 Years | Culture in the Popular Unity. Over 70 people contributed in various ways to make this initiative possible. The project has three dimensions: an audiovisual archive that includes 32 interviews with key figures of the era or scholars of it; an exhibition of seven audiovisual pieces created by artists and filmmakers, inspired by the 'First 40 Measures' of Allende's government; and six versions of emblematic songs from the period, performed by contemporary musicians and recorded live at Centro GAM (formerly UNCTAD).

Medidas Afectivas es un proyecto colaborativo que surge como respuesta a la urgencia provocada por la pandemia, reuniendo y potenciando singularidades artísticas a distancia para dar un sentido colectivo a las consecuencias del aislamiento. El proyecto da como resultado tres cajas únicas, cada una agrupando 10 obras inéditas de 10 artistas de AFA: Rodrigo Arteaga, Nia De Indias, Agustín González, Martín Gubbins, Claudia Gutiérrez, Camila Ramírez, Carlos Rivera, Francisco Rodríguez, Janet Toro y Camilo Yáñez.
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Medidas Afectivas is a collaborative project that emerged in response to the urgency caused by the pandemic, bringing together and enhancing artistic singularities from a distance to give a collective sense to the consequences of isolation. The project results in three unique boxes, each containing 10 unpublished works by 10 AFA artists: Rodrigo Arteaga, Nia De Indias, Agustín González, Martín Gubbins, Claudia Gutiérrez, Camila Ramírez, Carlos Rivera, Francisco Rodríguez, Janet Toro, and Camilo Yáñez

"Serie de esculturas en concreto. Estas esculturas, al observar los objetos que parecen emerger o haberse fijado a perpetuidad en los bloques de cemento –herramientas de trabajo, un puño en alto, una enciclopedia de la Guerra Fría, la Torre Eiffel, un reloj–, parecen ser fósiles de algo en lo que aún permanecemos vivos, fósiles de nuestra propia época. La Revolución Francesa, el trabajo asalariado, los levantamientos populares, el tiempo, el comunismo y el capitalismo, todos los caminos de la modernidad se exhiben en el ocaso de su función."
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"Series of concrete sculptures. These sculptures, upon observing the objects that appear to emerge or have become permanently fixed in the cement blocks—tools, a raised fist, a Cold War encyclopedia, the Eiffel Tower, a clock—seem to be fossils of something in which we are still alive, fossils of our own era. The French Revolution, wage labor, popular uprisings, time, communism, and capitalism, all paths of modernity are displayed in the twilight of their function".

Video ensayo de tres canales que documenta los procesos orgánicos de vida y muerte, incluyendo putrefacción, descomposición, fermentación y regeneración, observados desde una perspectiva microbiológica y confrontados con imágenes mediáticas que documentan diversos procesos políticos actuales. La video instalación propone una reflexión a través de la simultaneidad de imágenes que combinan e intercalan sucesos biológicos y sociales, leídos a través de noticias, sonidos de la calle y diversas entrevistas. Este gesto enfatiza la idea de que la decadencia de lo viviente parece ser la única perspectiva de la vida y que, a su vez, el surgimiento de lo vivo provendría inevitablemente de la muerte. Así como los hongos y microorganismos descomponen materia orgánica muerta para regenerarla y convertirla en materia viva, el ser humano descompone y desarticula su propio hábitat en nombre de un bien superior abstracto (ideologías, corporaciones, naciones y empresas), trastocando su sentido natural de comunidad a la velocidad del turbocapitalismo.
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"A three-channel video essay that documents the organic processes of life and death, including decay, decomposition, fermentation, and regeneration, observed from a microbiological perspective and contrasted with media images documenting various current political processes. The video installation proposes a reflection through the simultaneity of images that combine and intersperse biological and social events, viewed through news, street sounds, and various interviews. This gesture emphasizes the idea that the decay of the living seems to be the only perspective on life, and that, in turn, the emergence of the living would inevitably come from death. Just as fungi and microorganisms decompose dead organic matter to regenerate it and convert it into living matter, humans decompose and dismantle their own habitat in the name of an abstract higher good (ideologies, corporations, nations, and companies), disrupting their natural sense of community at the speed of turbo-capitalism."

Exposición individual que reunió más de cincuenta obras realizadas desde el año 2017 y que abarca dibujos, anotaciones, tintas chinas, textos, collage, trabajos sobre papel y varias esculturas en concreto. En 1945, el escritor y dramaturgo español Enrique Jardiel Poncela publicó “Máximas y mínimas”, un compendio de más de quinientos aforismos que reflexionan sobre diversos temas vinculados a la poesía, la política y la propia existencia. Cada oración o sentencia está cargada de ironía y busca fijar principios reflexivos de manera concisa y burlona sobre la actualidad. Retomando este gesto, y a partir de una escritura que se juega en su visualidad, se construyen trabajos con frases cortas, concisas y sugerentes para vincularse irónicamente con la realidad. La preocupación por la contingencia –social, cultural, política– está presente en cada una de estas obras, que son híbridos de discurso y figura. La exposición y las obras hacen patente la conciencia de que la actualidad no remite solo al presente, sino a la trama histórica que la constituye.
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An individual exhibition that brought together more than fifty works created since 2017, encompassing drawings, notes, Chinese inks, texts, collages, works on paper, and several concrete sculptures. In 1945, the Spanish writer and playwright Enrique Jardiel Poncela published “Máximas y mínimas,” a collection of over five hundred aphorisms that reflect on various themes related to poetry, politics, and existence itself. Each sentence or statement is loaded with irony and seeks to establish reflective principles in a concise and mocking way about contemporary issues. Emulating this gesture, and through a form of writing that plays with its visuality, the works are constructed with short, concise, and suggestive phrases that ironically engage with reality. The concern for social, cultural, and political contingencies is present in each of these pieces, which are hybrids of discourse and imagery. The exhibition and the works highlight the awareness that the current moment refers not only to the present but also to the historical fabric that constitutes it.

Curaduría de la exposición "Otrxs Fronterxs: Historias de migración, racismo y (des)arraigo".El proyecto se plantea como un mapeo crítico de la realidad migrante, enfocándose en las zonas más oscuras y desafortunadas de la experiencia humana que implica dejar las raíces. Las obras y el material de archivo reunidos en la exposición actúan como una serie de documentos que atestiguan nuestra realidad actual. No se trata de una exposición basada en apreciaciones o subjetividades; los trabajos de los artistas son hechos en sí mismos, datos concretos que reflejan la situación. La muestra no interpreta, no opina, no juzga ni adjetiva el fenómeno social de la inmigración contemporánea en Chile. Participantes: ariztiaLAB, Christian Báez, José Bálmes, Gracia Barrios, Francisca Benítez, Jorge Brantmayer, Jaime Castro, Eugenio Dittborn, Nicolás Franco, Nury González, Rafael Guendelman, Pepe Guzmán, Roberto Matta, Iván Navarro, Alejandro Olivares, Catalina Pérez, Lotty Rosenfeld, Nicolás Sánchez, Cecilia Vicuña, Colección MMDH.
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Curation of the exhibition "Otrxs Fronterxs: Histories of Migration, Racism, and (Dis)rooting". The project is conceived as a critical mapping of the migrant reality, focusing on the darker and less fortunate aspects of the human experience involved in uprooting. The artworks and archival material gathered in the exhibition act as a series of documents that bear witness to our current reality. This is not an exhibition based on appreciations or subjectivities; the works of the artists are facts in themselves, concrete data that reflect the situation. The exhibition does not interpret, opine, judge, or qualify the social phenomenon of contemporary immigration in Chile. Participants: ariztiaLAB, Christian Báez, José Bálmes, Gracia Barrios, Francisca Benítez, Jorge Brantmayer, Jaime Castro, Eugenio Dittborn, Nicolás Franco, Nury González, Rafael Guendelman, Pepe Guzmán, Roberto Matta, Iván Navarro, Alejandro Olivares, Catalina Pérez, Lotty Rosenfeld, Nicolás Sánchez, Cecilia Vicuña, MMDH Collection.

Curada por Kathleen Bühler «You Never Know The Whole Story. Video Art and New Media from the Kunstmuseum Bern Collection» muestra una serie obras e instalaciones que forman parte de la colección del Museo de Berna. La exposición contó con obras de: Judith Albert, Max Almy, Hanspeter Ammann, Knut Åsdam, Klaus vom Bruch, Balthasar Burkhard, Dimitri Devyatkin, Herbert Distel, A K Dolven, Chris Evans, Peter Fischli / David Weiss, Kit Fitzgerald, Herbert Fritsch, Michael von Graffenried, Luzia Hürzeler, Ute Friederike Jürß, Jutta Koether, Jochen Kuhn, Muriel Kunz, Maria Lassnig, Les Levine, Mark Lewis, Carlo E. Lischetti, MadeIn Company, Cory McCorkle, Gérald Minkoff, Tatsuyo Miyajima, Irene Muñoz Martin, Muriel Olesen, Uriel Orlow, Mai-Thu Perret, Elodie Pong, Sean Scully, René Pulfer, Markus Raetz, Pamela Rosenkranz, Christoph Rütimann, Francisco Sierra, Tom Skapoda, Edin Velez, Christian Vetter, Bill Viola, Anna Winteler y Camilo Yáñez.

Hoffman's House se originó en 1999 cuando los artistas Rodrigo Vergara y José Pablo Díaz utilizaron por primera vez una mediagua (nombre que se le da a las viviendas de emergencia) como galería de arte e invitaron a sus pares a presentar sus obras. Estas casas, instaladas en plazas de la comuna de Vitacura, sirvieron como canal de difusión para el trabajo de creadores emergentes. La iniciativa se volvería icónica por develar el trabajo de jóvenes artistas visuales que se movían al margen de los circuitos comerciales tradicionales de los años '90, entre ellos Magdalena Atria, Mario Navarro, Cristián Silva y Camilo Yáñez. La exposición "Los Nuevos Sensibles" de Hoffman's House busca examinar y replantear las interrogantes que surgieron en 1999, cuando esta propuesta vio la luz por primera vez. De esta manera, revisa las obras ya exhibidas por el proyecto e integra nuevas piezas. La muestra, además, consideró conciertos e intervenciones públicas y contó con la participación de 50 artistas chilenos junto con una selección de videoarte latinoamericano.
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Hoffman's House originated in 1999 when artists Rodrigo Vergara and José Pablo Díaz used a "mediagua" (a term for emergency housing) as an art gallery for the first time and invited their peers to present their works. These houses, installed in public squares in the Vitacura commune, served as a platform for showcasing the work of emerging creators. The initiative would become iconic for revealing the work of young visual artists operating outside the traditional commercial circuits of the 1990s, including Magdalena Atria, Mario Navarro, Cristián Silva, and Camilo Yáñez. The exhibition "Los Nuevos Sensibles" by Hoffman's House seeks to examine and reconsider the questions that arose in 1999 when this proposal first came to light. In this way, it revisits the works already exhibited by the project and integrates new pieces. The exhibition also featured concerts and public interventions and included the participation of 50 Chilean artists along with a selection of Latin American video art.

"Textos en neón" es una serie de obras que utiliza aforismos e ideas breves para crear un juego visual y conceptual. Con frases ingeniosas y críticas, la serie aborda temas de la historia reciente de Chile y cuestiona aspectos de la vida cotidiana, usando elementos de los discursos oficiales y la comunicación masiva.
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"Textos en neón" is a series of works that use aphorisms and brief ideas to create a visual and conceptual play. With witty and critical phrases, the series addresses themes from Chile's recent history and questions aspects of everyday life, using elements from official discourse and mass communication.

A lo largo de los años, se han sostenido diversas conversaciones con artistas chilenos para comprender y profundizar en sus sistemas de trabajo, metodologías y formas de enfrentar su tiempo, así como los hechos biográficos que han marcado sus vidas. Estas charlas han revelado cómo las experiencias personales, la historia reciente de Chile y los contextos sociales y políticos influyen en sus procesos creativos. En particular, la obra de muchos de estos artistas se ve atravesada por la reflexión sobre la fractura histórica del país, abarcando temas como la dictadura militar, el modelo neoliberal, el estallido social y los intentos fallidos de reformas constitucionales.
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Over the years, various conversations have been held with Chilean artists to understand and delve into their work systems, methodologies, and ways of confronting their time, as well as the biographical events that have shaped their lives. These discussions have revealed how personal experiences, Chile's recent history, and social and political contexts influence their creative processes. In particular, the work of many of these artists is marked by reflections on the country’s historical fractures, covering themes such as the military dictatorship, the neoliberal model, the social uprising, and the failed attempts at constitutional reform.

La Dirección de Arte y Diseño - La Visualidad de las Imágenes (2018) es una publicación que reúne textos que, desde diversas perspectivas y estilos de escritura, exploran cómo los académicos de la Escuela de Arte de la Universidad Diego Portales reflexionan sobre la producción de imágenes contemporáneas. Además, el libro incluye un repertorio visual que abarca registros de obras de los alumnos egresados, académicos y artistas invitados, conformando un archivo de imágenes e imaginarios que no solo documentan, sino que también buscan contribuir de manera activa y crítica al diálogo sobre el arte de nuestro tiempo. Esta obra se presenta como un espacio de convergencia entre la teoría y la práctica, ofreciendo una mirada plural y enriquecedora sobre las dinámicas visuales actuales, con el objetivo de fomentar una comprensión más profunda y reflexiva de las imágenes en la contemporaneidad.
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The Art Direction and Design - The Visuality of Images (2018) is a publication that brings together texts that, from various perspectives and writing styles, explore how the academics of the School of Art at Universidad Diego Portales reflect on the production of contemporary images. The book also includes a visual repertoire featuring works by alumni, faculty members, and guest artists, forming an archive of images and imaginaries that not only document but also aim to actively and critically contribute to the discourse on contemporary art. This work serves as a space of convergence between theory and practice, offering a pluralistic and enriching view of current visual dynamics, with the goal of fostering a deeper and more reflective understanding of images in contemporary times.

El 1er Ciclo de Conferencias "Ready Made in Brazil: Del readymade al presente" se realizó el 7 de noviembre de 2017 en el Teatro SESI-SP. El ciclo abordó el legado de Marcel Duchamp y su impacto en el sistema del arte contemporáneo. A partir de la exposición "Ready Made in Brasil", artistas, curadores y críticos debatieron sobre el contenido de la muestra, explorando su relación con la historia del arte, la producción brasileña y la obra de Duchamp en un diálogo transversal.
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The 1st Conference Cycle "Ready Made in Brazil: From Readymade to the Present" took place on November 7, 2017, at Teatro SESI-SP. The cycle addressed Marcel Duchamp’s legacy and its impact on the contemporary art system. Based on the exhibition "Ready Made in Brasil," artists, curators, and critics discussed the content of the show, exploring its connection with art history, Brazilian production, and Duchamp’s work in a cross-cutting dialogue.

El concepto fundamental de la exposición es la yuxtaposición de trabajos específicos que podrían proporcionar una plataforma para la discusión sobre los diversos temas expresados en Pacific Standard Time: LA / LA. Nuestra intención es expandir estos temas a un escenario más amplio y problemático en el que los límites no solo se concuerden como metáforas, sino que también se activen como dispositivos e instrumentos que deben romperse o desmantelarse desde el momento en que los abordamos. Los artistas incluidos son: Foulkes, Fernell Franco, Fritzia Irízar, Minouk Lim, Darling Lopez, David Medalla, Louise Menzies, Pratchaya Phinthong, Rita Ponce de León, Jhafis Quintero, Ben Rivera, Bob Schalkwijk, Ariel Schlesinger, Shimabuku, Michael Stevenson, Armando Andrade Tudela, Germán Venegas y Camilo Yáñez. Curadores: Abraham Cruzvillegas y Gabriel Kuri.
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The fundamental concept of the exhibition is the juxtaposition of specific works that could provide a platform for discussing the various themes expressed in Pacific Standard Time: LA / LA. Our intention is to expand these themes into a broader and more complex stage where boundaries are not only considered as metaphors but also activated as devices and instruments that must be broken or dismantled from the moment we address them. The artists included are: Foulkes, Fernell Franco, Fritzia Irízar, Minouk Lim, Darling Lopez, David Medalla, Louise Menzies, Pratchaya Phinthong, Rita Ponce de León, Jhafis Quintero, Ben Rivera, Bob Schalkwijk, Ariel Schlesinger, Shimabuku, Michael Stevenson, Armando Andrade Tudela, Germán Venegas, and Camilo Yáñez. Curators: Abraham Cruzvillegas and Gabriel Kuri.

La escultura, que mide 155 x 90 x 51 cms y está compuesta por mármol Travertino, una bicicleta cromada, asiento y puños de cuero, explora el concepto de energía potencial. La combinación de la estabilidad del mármol con la bicicleta inmovilizada captura una energía potencial latente, simbolizando la tensión entre lo estático y lo dinámico, e invita a reflexionar sobre la transformación de la energía en el contexto artístico.
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The sculpture, measuring 155 x 90 x 51 cm and made from Travertine marble, a chrome bicycle, and leather seat and grips, explores the concept of potential energy. The combination of the marble’s stability with the immobilized bicycle captures a latent potential energy, symbolizing the tension between the static and the dynamic, and invites reflection on the transformation of energy in an artistic context.

Curaduría de la exposición "Una imagen llamada Palabra", muestra de apertura del Centro Nacional de Arte Contemporáneo de Santiago, que inició sus actividades el 22 de septiembre de 2016. La nueva institución, perteneciente al Estado a través del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, recupera la infraestructura del primer terminal aéreo de Chile, ubicado en la comuna de Cerrillos, al surponiente de la capital, resignificando su sentido y remodelando su infraestructura. Amplios espacios permiten el encuentro entre ciudadanos y artistas, obras y contexto, entre tradición, experimentación y arte contemporáneo.
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Curatorship of the exhibition "An Image Called Word," the opening show of the National Center for Contemporary Art in Santiago, which began its activities on September 22, 2016. The new institution, belonging to the State through the National Council of Culture and the Arts, has repurposed the infrastructure of Chile's first air terminal, located in the Cerrillos district, southwest of the capital, giving it new meaning and remodeling its infrastructure. The large spaces allow for encounters between citizens and artists, works and context, tradition, experimentation, and contemporary art.

“Nadar con tiburones es fascinante” es una obra que reflexiona sobre nuestra cultura y sus contradicciones históricas y políticas a través del video y la instalación, un paisaje perplejo y a contrasentido, con objetos que operan en múltiples ambigüedades. Una piscina con agua filtrada constantemente, cercada con una jaula, y videos sin audio que documentan la ciudad vacía y solitaria —con imágenes que van desde la cultura popular del graffiti hasta la apropiación de íconos, objetos e inmuebles que encarnan la noción de poder en la sociedad— ordena el espacio de manera paradójica e irónica.
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"Swimming with Sharks is Fascinating" is a work that reflects on our culture and its historical and political contradictions through video and installation, creating a perplexing and counterintuitive landscape, with objects that operate in multiple ambiguities. A swimming pool with constantly filtered water, enclosed by a cage, and silent videos documenting the empty and solitary city—with images ranging from the popular culture of graffiti to the appropriation of icons, objects, and buildings that embody the notion of power in society—arranges the space in a paradoxical and ironic way.

Hay un antiguo proverbio árabe que dice: “El hombre es amo de lo que calla y esclavo de lo que dice”. El martes 9 de septiembre de 2014, el diario La Segunda publicó el titular “El retorno del miedo” para cubrir la noticia del estallido de un artefacto explosivo en la Estación de Metro Escuela Militar. A partir de ese momento, comencé a leer aquel periódico con cierta regularidad, buscando en las noticias, editoriales, artículos y entrevistas las múltiples paradojas y sinsentidos del lenguaje cotidiano, cuya historia se remonta a titulares como “Exterminados como ratones” o “No hay tales desaparecidos”.
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There is an old Arabic proverb that says, "A man is master of what he keeps silent and a slave to what he speaks." On Tuesday, September 9, 2014, the newspaper La Segunda published the headline “The Return of Fear” to cover the news of the explosion of an explosive device at the Escuela Militar Metro Station. From that moment on, I began reading that newspaper regularly, searching in the news, editorials, articles, and interviews for the many paradoxes and absurdities of everyday language, whose history traces back to headlines like “Exterminated Like Rats” or “There Are No Such Disappeared.”

La Dirección de Arte y Diseño de la publicación realizada con motivo del Doctorado Honoris Causa otorgado al poeta Raúl Zurita por la Universidad de Alicante, España, estuvo a cargo de la Escuela de Arte de la Universidad Diego Portales. Esta obra editorial busca capturar la esencia poética y visual de Zurita, reflejando su influencia en la literatura hispanoamericana y su compromiso con la poesía como forma de resistencia. El diseño incorpora elementos visuales vinculados a sus temáticas recurrentes, como el paisaje chileno y la memoria, complementando los textos del propio Zurita con bosquejos extraídos de sus publicaciones, lo que añade una dimensión personal y única al homenaje, convirtiendo la publicación en una celebración tanto literaria como visual de su legado.
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The Art Direction and Design of the publication created for the occasion of awarding the honorary doctorate to poet Raúl Zurita by the University of Alicante, Spain, was led by the School of Art at the Universidad Diego Portales. This editorial work seeks to capture the poetic and visual essence of Zurita, reflecting his influence on Hispanic American literature and his commitment to poetry as a form of resistance. The design incorporates visual elements related to his recurring themes, such as the Chilean landscape and memory, complementing Zurita’s own texts with sketches from his publications, adding a personal and unique dimension to the tribute, turning the publication into a literary and visual celebration of his legacy.

Elevar el propio pensamiento hasta el nivel del enojo (el enojo provocado por toda la violencia que hay en el mundo, esa violencia a la nos negamos a estar condenados). Elevar el propio enojo hasta el nivel de un tarea (la tarea de denunciar esa violencia con toda la calma y la inteligencia que sea posible). George Didi-Hubermann, Cómo Abrir los ojos.

Curatoria de la exposición, Obra Escuela / Breve antología de artistas universitarios. La enseñanza del Arte al interior de la Universidad se ha transformado, a lo largo de la historia, en un contrasentido. Una paradoja generada desde la naturaleza propia del quehacer artístico, cuyo campo de acción cuestiona, desborda y subvierte cualquier marco regulador. La discusión sobre el Arte, generada desde lo universitario, implica varias consideraciones, más aún, pensando en cómo opera la relación aprendizaje-enseñanza en el contexto local. A fines del 2013, la Galería MACCHINA tuvo la idea de realizar una exposición de estudiantes de las distintas Escuelas de Arte del país. Este proyecto se planteó como una instancia para favorecer el diálogo y comunicación entre los estudiantes, ocupando como puntapié inicial el trabajo desarrollado por ellos al interior de cada escuela.

Edición y diseño del libro publicado con motivo de la exposición "Operación Verdad o la Verdad de la Operación" La publicación documenta la reflexión realizada por La Escuela de Arte de la UDP en el marco la exposición del mismo nombre que se llevó a cabo en el Museo de la Solidaridad Salvador Allende el año 2011. Bajo la curatoría de Guillermo Machuca la exposición estableció un contrapunto entre una selección de las obras de la colección del Museo y nuevas piezas producidas especialmente para la exposición. Artistas y académicos realizaron obras, discusiones y textos en torno a las relaciones entre arte, historia y política, convirtiendo a la exposición en un modelo de estudio sobre cómo repensar la colección emblemática donada por artistas de todo el mundo en apoyo a la Unidad Popular y al “Pueblo de Chile”. La historia, funciones y memoria del lugar físico y simbólico de la actual sede del Museo, junto a las obras expuestas constituyeron una experiencia artística que al día de hoy es posible revisar a través de la edición del libro.

Camilo Yáñez despliega una mirada cardinal que extiende el horizonte de un paisaje conocido. La sucesión de vistas atemporales, enmarcadas en una escenografía métrica subordinada funda- mentalmente al espacio y a una regla topográfica, fueron registradas por el artista el año 1999 y luego reproducidas en escala 1:1 por medio de un proceso serigráfico que opera como el sustrato inicial de una intervención que, como el propio territorio, modifica su superficie con erosiones, traspasos y sedimentos. Sobre imágenes impresas hace catorce años, Yáñez ha ensayado desde entonces una aguda reflexión visual que patenta sus obsesiones e inquietudes y alcanza en Tierra Derecha una síntesis desoladora:“La historia del paisaje es la historia del país. Con la debacle y sin la debacle, con la ideología y la no ideología. Me interesa el paisaje como sustrato de resistencia de toda la elucubración mental.

Punto Muerto es una exposición que reflexiona en torno a los últimos 40 años de la historia de Chile. Con esculturas de yeso y pintura mural da cuerpo a una instalación que apela a un estado de latencia donde la inmovilidad de las piezas acusa una falta de funcionamiento. Punto Muerto, enfatiza en cómo el poder y el liderazgo son manejados por el modelo económico. Tomando como punto de partida la portada del cuerpo B y D del periódico El Mercurio del domingo 10 de febrero recién pasado, el artista articula un llamado a modo de manifestación. El cuerpo D nos presenta a los personajes políticos presidenciables para este año, mientras que el cuerpo B se presenta a las familias billonarias de Chile. Camilo Yáñez, toma estos “cuerpos” y propone con la instalación posibles relaciones entre ellos. Despertada la inquietud de los espectadores, Yáñez nos entrega algunas pistas para complementar el relato. En una sala nos encontramos un mural de color rojo que dice: COFRADÍA NÁUTICA DEL PACÍ… (Cofradía Náutica del Pacífico Austral), nombre de la agrupación creada en Algarrobo en 1968 que sentó las bases del modelo neoliberal chileno. El mural se enfrenta con una gran muralla blanca donde nacen manos de yeso empuñadas apuntando hacia el espectador. Mientras la otra sala pintada de negro, los cuerpos D-B de El Mercurio se rodean de otros puños de yeso deformados o mutilados.

Carmen 36 es un video ensayo sobre un lugar. La historia de una familia y del edificio que habitaron por más de cinco décadas y que hoy yace totalmente abandonado. Ubicado frente al Cerro Santa Lucía en pleno centro histórico de Santiago, el edificio fue testigo privilegiado (dada su ubicación) de una infinidad de sucesos que han marcado nuestro devenir. Perteneciente al Poder Judicial, el inmueble es una metáfora de un modelo de sociedad que estamos construyendo donde el bien común poco a poco va desaparecido.

Es un ensayo audiovisual, cuya puesta en escena es inmersiva y utiliza hongos como metáfora sobre los procesos de pudrición, descomposición y reciclaje. Imágenes grabadas con lentes macro, permiten al espectador un acercamiento sensorial a las estructuras que afloran cuando los hongos crecen para lanzar sus esporas al aire. Este tipo de tomas es confrontada y superpuesta con imágenes, sonidos y entrevistas sobre la contingencia política, encontradas en los medios de comunicación y en la prensa escrita. La pieza plantea analogías metafóricas sobre la condición de la muerte -para volver a producir vida- entendiendo a la política como ecosistema que debe mutar, descomponerse y volver a reciclarse.Putreré, es una obra concebida como una doble grabación que luego se exhibe a través de 2 proyectores sincronizados. El guión narrativo utilizó el crecimiento natural de los hogos, los que eran grabados en HD y con lentes macro. Este nivel de detalle y calidad de imagen, permitía al espectador un acercamiento sensorial a las estructuras y patrones orgánicos que afloran cuando los hongos alcanza la morfología para lanzar sus esporas al aire. Putreré buscaba documentar simultáneamente los procesos de pudrición, descomposición y regeneración propios de los organismos vivos, en confrontación con diversos procesos políticos registrados a través de imágenes mediales, sonidos de la calle, entrevistas y textos de prensa escrita. La pieza intenta plantear analogías sobre las diversas condiciones de muerte y regeneración, estableciendo un paralelo entre a la contingencia política de Chile y su evidente necesidad de mutar, descomponerse y volver reconstituirse.

Diseño e Intervención en las páginas centrales de la publicación especial del periódico THE CLINIC como conmemoración de los 40 años del Golpe Militar editada el 2013.

"Se instala una gran línea de tiempo con los momentos más relevantes de Santiago a Mil, puestos en perspectiva con su impacto social y cultural en Chile. Esta exposición es un ejercicio de reconstrucción de un puzzle que podríamos llamar la Memoria Cultural de Chile y su Pueblo", dijo el curador Camilo Yáñez.

Video creado a partir de la obra "Al pueblo de Chile" realizada para la muestra Operación Verdad o la Verdad de la Operación. En marzo de 1971, un grupo de intelectuales de diferentes partes del mundo, buscando apoyar la nueva vía democrática al socialismo en Chile, propuso crear un museo de arte en apoyo a la Unidad Popular. Entre 1971 y 1973, se recibieron más de 500 obras de artistas contemporáneos cuyos trabajos protagonizaban la historia del arte de ese momento. Contra todo pronóstico, el pintor abstracto Frank Stella, nacido en Estados Unidos, dona al pueblo de Chile el monumental acrílico sobre tela titulado “Isfahan III” de 1968. Tras el golpe militar de 1973, varias de las obras que conformaban la colección del Museo de la Solidaridad desaparecieron.Recuperada la democracia, la pieza de Frank Stella fue encontrada y volvió a ser presentada públicamente. Veinte años después, para la exposición “Operación Verdad o la Verdad de la Operación”, se realizó una réplica exacta de la obra de Frank Stella utilizando azulejos blancos para revestir espacios higiénicos. El día 3 de diciembre del año 2011, se le encargó a Victoria Allende realizar la limpieza de la obra “al Pueblo de Chile” tras dos meses de exhibición.

A inicios de agosto del 2011, Londres 38, Espacio de memorias, se propuso realizar una actividad para el Día Nacional e Internacional del Detenido Desaparecido. En ese marco, surge del debate colectivo la propuesta de relevar el caso de José Huenante Huenante, un joven mapuche de 16 años, cuyo rastro se pierde en septiembre del año 2005, luego de ser detenido por fuerzas policiales. Así surgió la idea de “visibilizar” la figura de Huenante para traer con él hacia el presente a todos los desaparecidos de las décadas anterio- res. En términos generales, la idea –como más adelante se materializó- era solicitar a un grupo de artistas que desarrollara una obra acerca de la historia de Huenante, llevarla a gigantografía y luego exhibirla en edificios de la Alameda. En la intervención urbana participaron con sus trabajos los artistas Guillermo Núñez, Voluspa Jarpa, Carlos Montes de Oca, Víctor Pavez, Ismael Frigerio, Bernardo Oyarzún, Iván Navarro, Roser Bru, Camilo Yáñez y Eugenio Téllez.

La pieza va montada en el piso al centro de la sala, frente al cuadro Isfahan II 1968 de Frank Stella y es un reflejo exacto del formato perimetral de la obra escala 1:1, donada al Museo en 1972. El trabajo es una ironía punzante sobre cómo Chile ha manejado su historia, su memoria y su responsabilidad en materia de derechos humanos, al mismo tiempo, que hace un guiño a la propia historia del Museo, su lugar actual de emplazamiento, su manejo, su cuidado simbólico y político. El tiempo transcurre y todo ideal ya ha sido manipulado, instrumentalizado, limpiado y desinfectado.

La 12ª Bienal de Estambul, titulada "Sin título (12ª Bienal de Estambul)", se celebró del 17 de septiembre al 13 de noviembre de 2011 bajo la curaduría de Adriano Pedrosa y Jens Hoffmann. La bienal exploró la relación entre el arte y la política, destacando obras que eran formalmente innovadoras y políticamente comprometidas, inspirado en parte por la forma en que Félix González-Torres nombraba sus obras con "Sin título" seguido de una descripción entre paréntesis. Aunque su obra no fue la principal inspiración, el título de la bienal rinde homenaje a su estilo distintivo.
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The 12th Istanbul Biennial, titled "Untitled (12th Istanbul Biennial)," took place from September 17 to November 13, 2011, curated by Adriano Pedrosa and Jens Hoffmann. The biennial explored the intersection of art and politics, showcasing works that were both formally innovative and politically engaged, partly inspired by Félix González-Torres’s practice of titling his works "Untitled" followed by a description in parentheses. Although his work was not the main inspiration, the biennial's title pays homage to his distinctive style.

El video fue grabado a las 6 pm el 11 de septiembre de 2009. La cámara fue montada en un sistema móvil que permitió realizar un plano continuo, sin cortes; se hizo una toma de la gradería y otra de la cancha. No había nadie en el lugar, el estadio estaba vacío. La banda de sonido es la canción “Luchín”, de Víctor Jara reinterpretada por Carlos Cabezas vocalista Los Electrodomésticos. En medio de una sala cuadrada, la pantalla esta suspendida al centro de la sala, una proyección por anverso (cancha) y por reverso (gradería).

El texto de la instalación cita la película El Padrino III del director Francis Ford Coppola, basada en la novela de Mario Puzo del mismo nombre. El texto de la pintura mural recorta el dialogo final que hay entre el último DON de la familia Corleone, Vincet Mancini-Corlone y Don Lucchesi. PODER, DINERO, ARMAS, Y POLITICA, sin caer en una definición puntual, la imagen y el texto son ocupados como metáfora para hablar del momento histórico de lo que pasa tanto en Italia con Silvio Berlusconi en el poder. Con sutileza, la pieza deja instalada a modo de propaganda publicitaria una reflexión sobre que significa decidir políticamente cuando hay intereses económicos de por medio. Materializada con pintura mural y con focos de luz, la obra se realizó in situ, en el IILA en Roma, Italia y su medidas son 600 x 300 cm

Piedras con ruedas y dispositivos de vigilancia, pintura mural, video proyección, carpa a rayas, escala, gradería público, ventiladores y rejas. Instalación dimensiones variables, Sala de Arte CCU, Santiago de Chile.

7ª Bienal del Merco Sur, Grito y Escucha, Porto Alegre Brasil. Curadores Generales: Victoria Noorthoorn y Camilo Yáñez / Equipo Curatorial: Artur Lescher Bernardo Ortiz Erick Beltrán Laura Lima Lenora de Barros Marina De Caro Mario Navarro Roberto Jacoby. La 7a Bienal do Mercosul consideró al artista como un actor social y constante productor de un sentido crítico necesario. Se propuso explorar un amplio espectro de procesos creativos y de mecánicas de trabajo y posicionar la mirada artística en el centro de cada una de las exposiciones y programas. En sintonía con estas ideas, artistas de muy diversas poéticas y procedencias fueron invitados a organizar las exposiciones, desarrollar las herramientas y los programas educativos y estructurar la comunicación mediática y el sistema de publicaciones.

Grabado en la abandonada laguna Carén a las afueras de Santiago, la cámara navega rozando el agua al atardecer. Por instantes vemos como se sumerge bajo superficie y permanece forzosamente allí para luego luego volver a salir. Así durante todo el video la cámara se mueve sin ir a un lugar fijo y permanece en una constante tensión visual entre superficie y profundidad, mientras el audio despiertan a modo de flash-back sensaciones que habitan en el inconsciente colectivo de Chile.

Intervención realizada en dos Salas de Ex Cruz Roja de la Reina, Santiago Chile. Wallpaper blanco y negro, diseñado por el autor de 100x 70 cms. cada uno (edición total 600 ejemplares) El diseño fue montado en una sala de manera vertical y en la otra horizontal. En cada sala había un objeto lumínico construido con tres tambores aceiteros standar, pintados al horno con pintura negra y montados sobre ellos 12 tubos fluorescentes de 36 watts casa uno.

PERCEPCIONES EOLICO/TOPOGRAFICAS / Pintura mural, ventiladores y una carpa con lineas rojas. La entrada a la sala fue clausurada con un gran vidrio que impedía el acceso. La instalación fue montada en el Laboratorio de Física del Colegio la Sagrada Familia, en el marco del 41 Salón de Colombia realizado en Calí.

Oficinas salitrera Humberstone. Pozo Almonte, Región de Tarapacá, Chile. Instalación en la Piscina de la ex oficina Salitera de Humberstone. Norte de Chile. 144 tambores para liquidos pintados a dos colores, 16 palets ensamblados como una sola balsa y carpa con lineas rojas y blancas para cuatro personas.

Muestra colectiva de artistas chilenos en NY, Artistas participantes: Monica Bengoa, Francisca Garcia, Nicolas Grum, Hoffmann's House (Jose Pablo Diaz - Rodrigo Vergara) Rodrigo Lobos, Mario Navarro, Alejandra Prieto, Camilo Yáñez ,Purdy Rocks, Patrick Hamilton, ian Szydlowski, Francisca Benítez, Diego Fernandez, Ivan Navarro + Huesorecords Rodrigo Pereda, Nutria (Christian Torres Roje)

Carta de ajuste, 4 Impresiones adhesivas instalada en las puertas norte y sur del segundo piso, Hall Central Museo Nacional de Bellas Artes. Cada impresión de 300 x 500 cms. / Edición 4/4

Seis ventiladores con diseños ópticos concéntricos, seis caballetes de madera, 4 telas ópticas de 180 x 140 cms, 185 mts de cuerda, 64 pinturas de colores planos sobre madera de 40 x 30 cms. 18 rejas de madera color gris, de 42 x 100 cms. pintura mural, esmalte al agua color rojo.

Muestra individual de Eduardo Martínez Bonati

Edición y diseño de la publicación POBLADO creada junto a Francisco Zegers Editor como parte del envío de Chileno a Cityscapes Feria de ARCO 2006. / Centro Cultural Matucana 100 y Galería Animal

Intervención efímera / Absolut Yáñez

V Bienal del Mercosur. Porto Alegre, Brasil.

Pintura mural realizada in situ; aparecen en la imagen, un paisaje, una linea de tren, un charco de agua, el atril y lo materiales de un pintor a plenair. El o los personajes no esta en la escena, solo hay paisaje, contexto y vacío.
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Hamburgo, Alemania.

“Me gusta pintar en un cuadrado porque no tienes que decidir si debe ser largo-largo o corto-corto: es simplemente un cuadrado. Jamás quise hacer otra cosa que cuadrados del mismo tamaño, pero entonces siempre viene alguien y me dice: “Tienes que hacerlo un poquito mayor” o “un poquito menor”. Creo que todos los cuadrados deberían tener el mismo tamaño y el mismo color para que fueran intercambiables y nadie pudiera pensar que tiene un cuadrado mejor o un cuadrado peor. Y si la única “obra maestra” fuera buena, todas lo serían. Además, aún cuando cambien los temas, la gente siempre pinta el mismo cuadro.” Andy Warhol Mi filosofia de AaB y de BaA

El concepto de la Iconofília como una corriente de rescate de antiguos íconos y de creación de nuevos símbolos para conciliar las manifestaciones plásticas. Se dio cabida a múltiples manifestaciones artísticas, tales como la pintura, pero también la fotografía, instalaciones, performances, arte digital, etc. En esta Bienal hubo la participación de 23 países, con 78 artistas que presentaron 75 obras. Museo de la Medicina, Cuenca, Ecuador.

Muestra individual retrospectiva del escultor chileno Federico Assler

El otro paisaje opera desde el campo de la pintura, y consiste en la utilización de la propia arquitectura de la sala –sus paredes- como soporte para una pintura mural que, a partir de la trama obtenida en base a un juego de líneas en colores verde y amarillo, “activa visualmente el espacio bajo la lógica de arte óptico”, como señala Yáñez, haciendo referencia a la vibración del color y la distorsión generada por el desplazamiento de los espectadores. Sobre este tramado, el artista dibuja una serie de elementos -pupitres escolares, implementos de aseo, mobiliario de oficina- tomados en su mayoría de los catálogos que regulaban los procesos de adquisición para las oficinas públicas, elaborados por el Ministerio de Hacienda en la década de los ochenta, y que son calificados por el artista como “gráfica fiscal”. Según Camilo Yáñez, “color pictórico eliminado el gesto, y dibujos gráficos pintados enfatizando la pintura, son convocados en este trabajo, donde el resultado es una operación pictográfica de ocupamiento espacial”.

Carlos Altamirano, Juan Francisco Gonzalez, Camilo Yáñez, curador Alberto Madrid.

Curatoría para la muestra Rúbrica, que consistió en enrojecer mediante recursos lumínicos calculados hasta el límite de la soportabilidad, todo el enorme espacio de exhibición de MATUCANA 100, vacío de objetos palpables. Se instalarón en el muro poniente del segundo piso -en los 14 espacios que separan las serchas- 14 textos tipografeados en neón rojo, los que por su similar estructura gramatical adquieren un caracter letánico: EL NEON ES MISERIA, EL NEON ES TORMENTO, EL NEON ES DEMENCIA, EL NEON ES DESDICHA, EL NEON ES ANGUSTIA, EL NEON ES SECRETO, etc. La muestra permaneció abierta al público durante 10 días seguidos, 24 horas cada día, abrió el 03 de octubre y cerró el 13 de octubre de 2003.

Exposición Frutos del país / Museo de Arte Contemporáneo de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile

Pintura Mural

100 carteles fotocopiados con el rostro  de Juan Francisco González emplazados en un campo sin plantar en Curacaví.

Registro fotográfico de diversos paisajes chilenos: costa, valle y cordillera, en formato 6 x 6 junto a una regla topográfica. Estas fotografías fueron posteriormente ampliadas en serigrafías son la base del proyecto del año 2013, Tierra Derecha.

1998, Fatigar al Discípulo, (individual)
Instituto Chileno Norteamericano.

Cuatro pinturas de 280 x 170 cms. Oleo y serigrafía sobre tela
Cuatro reproducciones pintadas al óleo de 40 x 30 cms, de Paisaje de Invierno, de Juan Francisco Gonzalez.

Vagando por las calles, mirando a la gente pasar...