Dirección de Arte y diseño de la publicación Poéticas Constitucionales de los Pueblos de Chile. A mediados de noviembre de 2019, un grupo de escritoras, artistas visuales, activistas y filósofos devenidos en muralistas, nos propusimos animar un sitio web que sirviera como red de encuentros políticos y poéticos para los movimientos de cambio extendidos y radicales generados desde las manifestaciones de octubre. Entre las actividades del sitio, www.laultimalinea.cl, se hicieron dos convocatorias específicas, a artistas y a escritoras. En la primera, se invitó a ensayar la primera página de la nueva Constitución. La segunda, fue un llamado a diseñar la portada de libro que escribiremos a través de la Convención Constituyente. El diseño de la publicación buscando reunir todos los aportes, abriendo el libro a una lectura instituyente y poética como forma sensible y conceptual de acompañar el trabajo de la Convención.

El 2019 FRANKLIN FACTORY inició sus actividades proponiendo a la ciudad un espacio de creación, elaboración y manufactura de proyectos locales convocando una diversidad de oficios, emprendimientos, experiencias artísticas y gastronómicas. La iniciativa de FRANKLIN FACTORY -cuyo impacto ha sido cultural y urbano- recupera el antiguo edificio del Instituto Sanitas construido en la década de los cuarenta ubicado en el popular barrio Franklin, en la comuna de Santiago. En el año 2022 FRANKLIN FACTORY -a través de AFA Galería- convocó al reconocido artista Camilo Yáñez para comisionarle la realización de un proyecto mural permanente en uno de los enormes muros del patio interior de la Factoría.

Durante los primeros días del Estallido Social en Chile y luego de cada jornada de protesta de los días viernes, se recogían -en la zona cercana a Plaza Italia-, todos los vestigios generados por las armas ocupadas por la fuerza represiva contra la población. Más de cuatrocientos cincuenta ciudadanos, quedaron con daños oculares, ciegos, lesionados, heridos y muertos producto de la desproporción en el uso de la fuerza por parte del gobierno. "Formas de construcción de una sociedad" es un sistema modular generado a partir de los casquetes percutidos de gases lacrimógenos y cartuchos de balines encontrados en Plaza Dignidad, los que fueron sumergidos en hormigón y resina transparente. Otros módulos de la serie, están confeccionados a partir de casquetes de balas obtenídos en campos de entrenamiento de tiro y defensa personal, sumergidos de igual manera en resina. El material residual de las manifestaciones fue recopilado entre el 18 de octubre de 2019 y marzo de 2020.

"Políticas del Espacio" combina obras conocidas con otras de menor exposición mediática y un puñado de piezas inéditas. Una muestra que ofrece un recorrido por el espacio y el tiempo reciente del arte chileno en el marco de los 20 años del Centro Cultural Matucana 100. Exhibición que reúne un conjunto de obras en torno a las múltiples dimensiones de la espacialidad: lo público y lo privado, lo urbano y lo rural, y también otras coordenadas que implican la proyección emocional y social hacia o desde los lugares. Video, instalación, fotografía o pintura son algunos de los recursos que sirven a los artistas para explicitar su relación con aquellos ámbitos que los obsesionan.

Serie de collage y serigrafías sobre papales irregulares que asocian: palabra escrita, idea fugaz, gráfica y color. Son ideas sueltas dejerarquizadas y desorganizadas que comentan momentos del transcurrir. Georges Didi-Huberman señala algo clave en la forma de mirar el suceder a partir de los medios y la propaganda. “Habría que poner la publicidad con los temas ligeros. Aunque eso no es posible. En la televisión después de un reportaje sobre Siria, que es la catástrofe, emiten una receta de cocina. En esta economía periodística hay una equivalencia de los temas y de lo que de verdad se trata es de no hacer paralelismos sino de construir o expresar la diferencia.”

Dirección de Arte para el proyecto, Rupturas Culturales en Dictadura, que aborda desde diversas perspectivas, un periodo crucial de la historia de chile. Propone recorridos por el mapa cultural no oficialista de esos años, reconociendo la especificidad de cada uno de sus territorios, al mismo tiempo que señala sus conexiones. Rupturas Culturales recupera las historias y los personajes de esa etapa hasta ahora dispersa en relatos que suelen correr en paralelo, sin entreverarse. Este segundo proyecto de “Construcción de Archivos” cuenta con entrevistas a actores clave; textos especialmente escritos para la ocasión, que cubren un amplio espectro de temas; y un documental, Un nuevo estilo de baile, que evoca la efervescencia creativa y festiva de fines de la dictadura, acudiendo a la banda sonora del circuito pop, y a imágenes de archivo de fuentes institucionales y de colecciones privadas.

Dirección de Arte para la exposición y el libro Fragilidad y Excesos / Archivo Abierto de la Escena Teatral Chilena 1983-1992 que reúne el registro fotográfico de más de 140 obras teatrales, acciones y performance realizadas por un gran número de artistas de teatro y diversos protagonistas culturales de la época. En detalle el archivo está construido por más de 1.500 imágenes inéditas a color capturadas de manera análoga en diapositiva.

Dirección de Arte para el proyecto del Centro para las Humanidades Udp, 50 años | La Cultura en la Unidad Popular. Más de 70 personas contribuyeron de un modo u otro a hacer posible esta iniciativa. El proyecto posee tres dimensiones: un archivo audiovisual con 32 entrevistas a protagonistas de la época o estudiosos de la misma; una muestra de siete piezas audiovisuales de artistas y cineastas, motivadas por la “Las primeras 40 medidas” del gobierno de Allende; y seis versiones de canciones emblemáticas del periodo, a cargo de músicos contemporáneos y registradas en vivo en el Centro GAM (ex UNCTAD).

Medidas Afectivas es un proyecto colaborativo que surge luego de la urgencia frente a la pandemia, reuniendo y potenciando singularidades artísticas a distancia, para dar un sentido colectivo a las consecuencias del aislamiento.El ejercicio da como resultado tres cajas únicas que agrupan, cada una, 10 obras inéditas de 10 artistas de AFA: Rodrigo Arteaga, Nia De Indias, Agustín González, Martín Gubbins, Claudia Gutiérrez, Camila Ramírez, Carlos Rivera, Francisco Rodríguez, Janet Toro y Camilo Yáñez.

Serie de objetos escultóricos

Es un video ensayo a tres canales que documenta los procesos orgánicos de vida y muerte, de putrefacción, descomposición, fermentación y regeneración son observados desde la microbiótica y confrontados con imágenes mediales que documentan diversos procesos políticos en el mundo actual. La video instalación propone una reflexión a través de la simultaneidad de las imágenes que combinan e intercalan sucesos biológicos y sociales leídos a través de imágenes noticiosas, sonidos de la calle y diversas entrevistas, enfatizando en este gesto, la idea de que la decadencia de lo viviente pareciera ser la única perspectiva de la vida y que, a su vez, el engendramiento de lo vivo provendría inevitablemente de la muerte. Así como los hongos y los microorganismos descomponen materia orgánica muerta para regenerarla y convertirla en materia vida, el ser humano descompone y desarticula en nombre de un bien superior abstracto (ideologías, corporaciones, naciones y empresas), su propio hábitat, trastocando su natural sentido de comunidad a la velocidad del turbocapitalismo.

Exposición individual que reunió más de cincuenta obras realizadas desde el año 2017 y que abarca dibujos, anotaciones, tintas chinas, textos, collage, trabajos sobre papel hasta y varias esculturas en concreto. En 1945, el escritor y dramaturgo español Enrique Jardiel Poncela publicó “Máximas y mínimas”, un compendio de mas de quinientos aforismos que reflexionan sobre diversos temas vinculados a la poesía, la política y a la propia existencia. Cada oración o sentencia esta cargada de ironía y busca fijar principios reflexivos de manera concisa y burlona sobre la actualidad. Retomando este gesto, y a partir de una escritura que se juega en su visualidad, se construyen trabajos con frases cortas, concisas y sugerentes para vincularse irónicamente con la realidad. La preocupación por la contingencia –social, cultural, política– está presente en cada uno de estas obras que son híbridos de discurso y figura. La exposición y las obras hacen patente la conciencia que la actualidad no remite solo al presente sino a la trama histórica que la constituye.

Curatoria de la exposición Otrxs Fronterxs -Historias de migración, racismo y (des)arraigo- . El proyecto se define como un mapeo crítico sobre la realidad migrante, centrándose aquellas zonas más oscuras y menos afortunadas de la realidad humana que implica dejar las raíces. Las obras y material de archivo reunidos en la exposición actúan como una suma de documentos que constatan la realidad, la nuestra. No es una exposición de apreciaciones o subjetividades; los trabajos de los artistas son hechos en sí mismo, datos de la causa. La muestra no interpreta nada, no opina, no juzga, ni adjetiviza el fenómeno social de la inmigración contemporánea en Chile.Participantes: ariztiaLAB, Christian Báez, José Bálmes, Gracia Barrios, Francisca Benítez, Jorge Brantmayer, Jaime Castro, Eugenio Dittborn, Nicolás Franco, Nury González, Rafael Guendelman, Pepe Guzmán, Roberto Matta, Iván Navarro, Alejandro Olivares, Catalina Pérez, Lotty Rosenfeld, Nicolas Sánchez, Cecilia Vicuña, Colección MMDH.

Curada por Kathleen Bühler «You Never Know The Whole Story. Video Art and New Media from the Kunstmuseum Bern Collection» muestra una serie obras e instalaciones que forman parte de la colección del Museo de Berna. La exposición contó con obras de: Judith Albert, Max Almy, Hanspeter Ammann, Knut Åsdam, Klaus vom Bruch, Balthasar Burkhard, Dimitri Devyatkin, Herbert Distel, A K Dolven, Chris Evans, Peter Fischli / David Weiss, Kit Fitzgerald, Herbert Fritsch, Michael von Graffenried, Luzia Hürzeler, Ute Friederike Jürß, Jutta Koether, Jochen Kuhn, Muriel Kunz, Maria Lassnig, Les Levine, Mark Lewis, Carlo E. Lischetti, MadeIn Company, Cory McCorkle, Gérald Minkoff, Tatsuyo Miyajima, Irene Muñoz Martin, Muriel Olesen, Uriel Orlow, Mai-Thu Perret, Elodie Pong, Sean Scully, René Pulfer, Markus Raetz, Pamela Rosenkranz, Christoph Rütimann, Francisco Sierra, Tom Skapoda, Edin Velez, Christian Vetter, Bill Viola, Anna Winteler y Camilo Yáñez.

Hoffman´s House se origina en 1999 cuando los artistas, Rodrigo Vergara y José Pablo Díaz, utilizaron por primera vez una mediagua (nombre que se le da a las viviendas de emergencia) como galería de arte, e invitaron a sus pares a presentar sus obras. Estas casas, instaladas en plazas de la comuna de Vitacura, sirvieron de canal de difusión para el trabajo de creadores emergentes. La obra se volvería icónica por develar el trabajo de jóvenes artistas visuales que se movían al margen de los circuitos comerciales tradicionales de los años '90, entre ellos: Magdalena Atria, Mario Navarro, Cristián Silva y Camilo Yáñez. La exposición de Hoffman´s House, Los Nuevos Sensibles busca examinar y replantear las interrogantes que aparecieron en 1999 cuando esta propuesta vio la luz por primera vez. De esta manera, revisa las obras ya exhibidas por el proyecto, e integra nuevas piezas. La muestra, además consideró conciertos e intervenciones públicas y participaron 50 artistas chilenos junto con una selección de videoarte latinoamericano.

Textos en neón, es una serie de trabajo nacida a partir de pensar en aforismos e ideas cortas que deben generar una intermitencia visual y conceptual

En diferentes momentos y durante varios años, se han sostenido diversas conversaciones con artistas chilenos buscando entender y profundizar en sus sistemas de trabajo, sus metodologías, las formas de enfrentar su tiempo y los hechos biográficos que les han tocado vivir.

El 1er Ciclo de Conferencias Ready Made in Brazil: Del readymade al presente se llevó a cabo el 7 de noviembre de 2017 en el teatro SESI-SP y cubrió el legado de Marcel Duchamp y su resonancia en el sistema del arte. A partir de la exposición Ready Made in Brasil, artistas, curadores y críticos debatieron el contenido tratado en transversal con la historia del arte, la producción brasileña y la obra de Duchamp.

El concepto fundamental de la exposición es la yuxtaposición de trabajos específicos que podrían proporcionar una plataforma para la discusión sobre los diversos temas expresados ​​en Pacific Standard Time: LA / LA. Nuestra intención es expandir estos temas a un escenario más amplio y problemático en el que los límites no solo se denominan metáforas, sino que también se activan como dispositivos e instrumentos que deben romperse o desmantelarse desde el momento en que los abordamos. Foulkes, Fernell Franco, Fritzia Irízar, Minouk Lim, Darling Lopez, David Medalla, Louise Menzies, Pratchaya Phinthong, Rita Ponce de León, Jhafis Quintero, Ben Rivera, Bob Schalkwijk, Ariel Schlesinger, Shimabuku, Michael Stevenson, Armando Andrade Tudela, Germán Venegas y Camilo Yáñez. Curadores: Abraham Cruzvillegas y Gabriel Kuri.

Curatoria de la exposición, Una imagen llamada Palabra muestra de apertura del Centro Nacional de Arte Contemporáneo de Santiago que inicio sus actividades el 22 de Septiembre de 2016. La nueva institución -perteneciente al Estado a través del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes- recupera la infraestructura del primer terminal aéreo de Chile ubicado en la comuna de Cerrillos, al sur poniente de la capital, resignificando su sentido y remodelando su infraestructura. Amplios espacios permiten el encuentro entre ciudadanos y artistas, obras y contexto, entre tradición, experimentación y arte contemporáneo. La exposición de apertura reunió a más de 55 artistas, poetas y fotógrafos chilenos cuyas obras establecen relaciones dialécticas y reflexivas entorno a la imagen y la palabra. Existe en Chile una amplia producción creativa cuya identidad característica e irrenunciable es la utilización de la figuración y la imagen en tensión con textos, palabras y grafismos. Naturalmente potenciando por constante influencia de la literatura y la poesía hacia el campo de las artes visuales cuya tradición es reconocidamente maciza, durante décadas se han generando obras que reconfiguran sentidos, conceptos, ideas y textulidades hacia otras zonas no habituales de pensamiento, proponiendo formas no lineales o cartesiana de comprender el mundo. Son mensajes-signos, unidades de sentido encapsuladas en un pieza que expresan un deseo colectivo innombrado.

“Nadar con tiburones es fascinante”, es una obra que reflexiona sobre nuestra cultura y sus contradicciones históricas y políticas a través de el video y la instalación, un paisaje de perplejo y en contra sentido, con objetos que trabajan en múltiples ambigüedades. Una piscina con agua filtrando constantemente el agura, cercada con una jaula y videos sin audio que documentan la ciudad vacía y solitaria -con imágenes que van desde la cultura popular del graffiti hasta la apropiación de íconos, objetos e inmuebles que encarnan la noción de poder en la sociedad ordena el espacio de manera paradójica e irónica "Nadar con tiburones es fascinante”: la frase tiene un malditismo, propio de la consciencia que se resarce entre los cenáculos más sórdidos, entrenada de antemano para flotar gozosa en medio de la basura y el peligro. Es una frase prehecha, que se sostiene en un hormigón salival endeble, como si se pronunciara de paso, movida por el aspaviento de quien luce un tuteo momentáneo con el poder. Pero por lo mismo puede tratarse de un simple exabrupto, de un despunte trazado a la rápida por el burócrata que piensa las declaraciones como lamidas que se difuminarán en el descarte de los periódicos. ¿Por qué entonces en esta muestra Camilo Yáñez la evoca? La impresión que se tiene es que no lo hace porque remita en algún punto a las piezas que conforman su obra, sino al revés: porque es una frase que no dice nada y lo dice todo a la vez.

Hay un antiguo proverbio árabe que dice: “el hombre es amo de lo que calla y esclavo de lo que dice”. El martes 9 de Septiembre de 2014 el diario La Segunda publicó el titular “El retorno del miedo” para cubrir la noticia vinculada al estallido de un artefacto explosivo en la Estación de Metro Escuela Militar. A partir de ese momento empecé a leer aquel periódico con cierta regularidad buscando en las noticias, editorial, artículos y entrevistas las múltiples paradojas y sin sentido del lenguaje cotidiano, cuya historia se remonta a titulares como Exterminados como Ratones o No hay tales desaparecidos.

Dirección de Arte y Diseño publicación con motivo de la entrega del Doctorado Honoris Causa de la Universidad de Alicante, España

Elevar el propio pensamiento hasta el nivel del enojo (el enojo provocado por toda la violencia que hay en el mundo, esa violencia a la nos negamos a estar condenados). Elevar el propio enojo hasta el nivel de un tarea (la tarea de denunciar esa violencia con toda la calma y la inteligencia que sea posible). George Didi-Hubermann, Cómo Abrir los ojos.

Curatoria de la exposición, Obra Escuela / Breve antología de artistas universitarios. La enseñanza del Arte al interior de la Universidad se ha transformado, a lo largo de la historia, en un contrasentido. Una paradoja generada desde la naturaleza propia del quehacer artístico, cuyo campo de acción cuestiona, desborda y subvierte cualquier marco regulador. La discusión sobre el Arte, generada desde lo universitario, implica varias consideraciones, más aún, pensando en cómo opera la relación aprendizaje-enseñanza en el contexto local. A fines del 2013, la Galería MACCHINA tuvo la idea de realizar una exposición de estudiantes de las distintas Escuelas de Arte del país. Este proyecto se planteó como una instancia para favorecer el diálogo y comunicación entre los estudiantes, ocupando como puntapié inicial el trabajo desarrollado por ellos al interior de cada escuela.

Edición y diseño del libro publicado con motivo de la exposición "Operación Verdad o la Verdad de la Operación" La publicación documenta la reflexión realizada por La Escuela de Arte de la UDP en el marco la exposición del mismo nombre que se llevó a cabo en el Museo de la Solidaridad Salvador Allende el año 2011. Bajo la curatoría de Guillermo Machuca la exposición estableció un contrapunto entre una selección de las obras de la colección del Museo y nuevas piezas producidas especialmente para la exposición. Artistas y académicos realizaron obras, discusiones y textos en torno a las relaciones entre arte, historia y política, convirtiendo a la exposición en un modelo de estudio sobre cómo repensar la colección emblemática donada por artistas de todo el mundo en apoyo a la Unidad Popular y al “Pueblo de Chile”. La historia, funciones y memoria del lugar físico y simbólico de la actual sede del Museo, junto a las obras expuestas constituyeron una experiencia artística que al día de hoy es posible revisar a través de la edición del libro.

Camilo Yáñez despliega una mirada cardinal que extiende el horizonte de un paisaje conocido. La sucesión de vistas atemporales, enmarcadas en una escenografía métrica subordinada funda- mentalmente al espacio y a una regla topográfica, fueron registradas por el artista el año 1999 y luego reproducidas en escala 1:1 por medio de un proceso serigráfico que opera como el sustrato inicial de una intervención que, como el propio territorio, modifica su superficie con erosiones, traspasos y sedimentos. Sobre imágenes impresas hace catorce años, Yáñez ha ensayado desde entonces una aguda reflexión visual que patenta sus obsesiones e inquietudes y alcanza en Tierra Derecha una síntesis desoladora:“La historia del paisaje es la historia del país. Con la debacle y sin la debacle, con la ideología y la no ideología. Me interesa el paisaje como sustrato de resistencia de toda la elucubración mental.

Punto Muerto es una exposición que reflexiona en torno a los últimos 40 años de la historia de Chile. Con esculturas de yeso y pintura mural da cuerpo a una instalación que apela a un estado de latencia donde la inmovilidad de las piezas acusa una falta de funcionamiento. Punto Muerto, enfatiza en cómo el poder y el liderazgo son manejados por el modelo económico. Tomando como punto de partida la portada del cuerpo B y D del periódico El Mercurio del domingo 10 de febrero recién pasado, el artista articula un llamado a modo de manifestación. El cuerpo D nos presenta a los personajes políticos presidenciables para este año, mientras que el cuerpo B se presenta a las familias billonarias de Chile. Camilo Yáñez, toma estos “cuerpos” y propone con la instalación posibles relaciones entre ellos. Despertada la inquietud de los espectadores, Yáñez nos entrega algunas pistas para complementar el relato. En una sala nos encontramos un mural de color rojo que dice: COFRADÍA NÁUTICA DEL PACÍ… (Cofradía Náutica del Pacífico Austral), nombre de la agrupación creada en Algarrobo en 1968 que sentó las bases del modelo neoliberal chileno. El mural se enfrenta con una gran muralla blanca donde nacen manos de yeso empuñadas apuntando hacia el espectador. Mientras la otra sala pintada de negro, los cuerpos D-B de El Mercurio se rodean de otros puños de yeso deformados o mutilados.

Carmen 36 es un video ensayo sobre un lugar. La historia de una familia y del edificio que habitaron por más de cinco décadas y que hoy yace totalmente abandonado. Ubicado frente al Cerro Santa Lucía en pleno centro histórico de Santiago, el edificio fue testigo privilegiado (dada su ubicación) de una infinidad de sucesos que han marcado nuestro devenir. Perteneciente al Poder Judicial, el inmueble es una metáfora de un modelo de sociedad que estamos construyendo donde el bien común poco a poco va desaparecido.

Es un ensayo audiovisual, cuya puesta en escena es inmersiva y utiliza hongos como metáfora sobre los procesos de pudrición, descomposición y reciclaje. Imágenes grabadas con lentes macro, permiten al espectador un acercamiento sensorial a las estructuras que afloran cuando los hongos crecen para lanzar sus esporas al aire. Este tipo de tomas es confrontada y superpuesta con imágenes, sonidos y entrevistas sobre la contingencia política, encontradas en los medios de comunicación y en la prensa escrita. La pieza plantea analogías metafóricas sobre la condición de la muerte -para volver a producir vida- entendiendo a la política como ecosistema que debe mutar, descomponerse y volver a reciclarse.Putreré, es una obra concebida como una doble grabación que luego se exhibe a través de 2 proyectores sincronizados. El guión narrativo utilizó el crecimiento natural de los hogos, los que eran grabados en HD y con lentes macro. Este nivel de detalle y calidad de imagen, permitía al espectador un acercamiento sensorial a las estructuras y patrones orgánicos que afloran cuando los hongos alcanza la morfología para lanzar sus esporas al aire. Putreré buscaba documentar simultáneamente los procesos de pudrición, descomposición y regeneración propios de los organismos vivos, en confrontación con diversos procesos políticos registrados a través de imágenes mediales, sonidos de la calle, entrevistas y textos de prensa escrita. La pieza intenta plantear analogías sobre las diversas condiciones de muerte y regeneración, estableciendo un paralelo entre a la contingencia política de Chile y su evidente necesidad de mutar, descomponerse y volver reconstituirse.

Diseño e Intervención en las páginas centrales de la publicación especial del periódico THE CLINIC como conmemoración de los 40 años del Golpe Militar editada el 2013.

"Se instala una gran línea de tiempo con los momentos más relevantes de Santiago a Mil, puestos en perspectiva con su impacto social y cultural en Chile. Esta exposición es un ejercicio de reconstrucción de un puzzle que podríamos llamar la Memoria Cultural de Chile y su Pueblo", dijo el curador Camilo Yáñez.

Video creado a partir de la obra "Al pueblo de Chile" realizada para la muestra Operación Verdad o la Verdad de la Operación. En marzo de 1971, un grupo de intelectuales de diferentes partes del mundo, buscando apoyar la nueva vía democrática al socialismo en Chile, propuso crear un museo de arte en apoyo a la Unidad Popular. Entre 1971 y 1973, se recibieron más de 500 obras de artistas contemporáneos cuyos trabajos protagonizaban la historia del arte de ese momento. Contra todo pronóstico, el pintor abstracto Frank Stella, nacido en Estados Unidos, dona al pueblo de Chile el monumental acrílico sobre tela titulado “Isfahan III” de 1968. Tras el golpe militar de 1973, varias de las obras que conformaban la colección del Museo de la Solidaridad desaparecieron.Recuperada la democracia, la pieza de Frank Stella fue encontrada y volvió a ser presentada públicamente. Veinte años después, para la exposición “Operación Verdad o la Verdad de la Operación”, se realizó una réplica exacta de la obra de Frank Stella utilizando azulejos blancos para revestir espacios higiénicos. El día 3 de diciembre del año 2011, se le encargó a Victoria Allende realizar la limpieza de la obra “al Pueblo de Chile” tras dos meses de exhibición.

A inicios de agosto del 2011, Londres 38, Espacio de memorias, se propuso realizar una actividad para el Día Nacional e Internacional del Detenido Desaparecido. En ese marco, surge del debate colectivo la propuesta de relevar el caso de José Huenante Huenante, un joven mapuche de 16 años, cuyo rastro se pierde en septiembre del año 2005, luego de ser detenido por fuerzas policiales. Así surgió la idea de “visibilizar” la figura de Huenante para traer con él hacia el presente a todos los desaparecidos de las décadas anterio- res. En términos generales, la idea –como más adelante se materializó- era solicitar a un grupo de artistas que desarrollara una obra acerca de la historia de Huenante, llevarla a gigantografía y luego exhibirla en edificios de la Alameda. En la intervención urbana participaron con sus trabajos los artistas Guillermo Núñez, Voluspa Jarpa, Carlos Montes de Oca, Víctor Pavez, Ismael Frigerio, Bernardo Oyarzún, Iván Navarro, Roser Bru, Camilo Yáñez y Eugenio Téllez.

La pieza va montada en el piso al centro de la sala, frente al cuadro Isfahan II 1968 de Frank Stella y es un reflejo exacto del formato perimetral de la obra escala 1:1. Donada el Museo en 1972. El trabajo es una ironía punzante sobre como Chile ha manejado su historia, su memoria y su responsabilidad en materia de derechos humanos, al mismo tiempo, que hace un guiño a la propia historia del Museo, su lugar actual de emplazamiento, su manejo, su cuidado simbólico y político, en la medida en que el tiempo transcurre y donde todo ideal ya ha sido manipulado, instrumentalizado, limpiado y desinfectado.

La 12a Bienal de Estambul exploró la relación entre el arte y la política, centrándose en obras que son tanto formalmente innovadoras como políticamente abiertas. La obra del artista cubanoamericano Félix González-Torres (1957-1996) es un claro ejemplo de este tipo de práctica artística, y una de las principales inspiraciones de la bienal. El título de la bienal, Sin título (12ª Bienal de Estambul), 2011, hace referencia deliberadamente a la forma en que González-Torres nombró la mayoría de sus obras: "Sin título" seguida de una descripción entre paréntesis.

El video fue grabado a las 6 pm el 11 de septiembre de 2009. La cámara fue montada en un sistema móvil que permitió realizar un plano continuo, sin cortes; se hizo una toma de la gradería y otra de la cancha. No había nadie en el lugar, el estadio estaba vacío. La banda de sonido es la canción “Luchín”, de Víctor Jara reinterpretada por Carlos Cabezas vocalista Los Electrodomésticos. En medio de una sala cuadrada, la pantalla esta suspendida al centro de la sala, una proyección por anverso (cancha) y por reverso (gradería).

El texto de la instalación cita la película El Padrino III del director Francis Ford Coppola, basada en la novela de Mario Puzo del mismo nombre. El texto de la pintura mural recorta el dialogo final que hay entre el último DON de la familia Corleone, Vincet Mancini-Corlone y Don Lucchesi. PODER, DINERO, ARMAS, Y POLITICA, sin caer en una definición puntual, la imagen y el texto son ocupados como metáfora para hablar del momento histórico de lo que pasa tanto en Italia con Silvio Berlusconi en el poder. Con sutileza, la pieza deja instalada a modo de propaganda publicitaria una reflexión sobre que significa decidir políticamente cuando hay intereses económicos de por medio. Materializada con pintura mural y con focos de luz, la obra se realizó in situ, en el IILA en Roma, Italia y su medidas son 600 x 300 cm

Piedras con ruedas y dispositivos de vigilancia, pintura mural, video proyección, carpa a rayas, escala, gradería público, ventiladores y rejas. Instalación dimensiones variables, Sala de Arte CCU, Santiago de Chile.

7ª Bienal del Merco Sur, Grito y Escucha, Porto Alegre Brasil. Curadores Generales: Victoria Noorthoorn y Camilo Yáñez / Equipo Curatorial: Artur Lescher Bernardo Ortiz Erick Beltrán Laura Lima Lenora de Barros Marina De Caro Mario Navarro Roberto Jacoby. La 7a Bienal do Mercosul consideró al artista como un actor social y constante productor de un sentido crítico necesario. Se propuso explorar un amplio espectro de procesos creativos y de mecánicas de trabajo y posicionar la mirada artística en el centro de cada una de las exposiciones y programas. En sintonía con estas ideas, artistas de muy diversas poéticas y procedencias fueron invitados a organizar las exposiciones, desarrollar las herramientas y los programas educativos y estructurar la comunicación mediática y el sistema de publicaciones.

Grabado en la abandonada laguna Carén a las afueras de Santiago, la cámara navega rozando el agua al atardecer. Por instantes vemos como se sumerge bajo superficie y permanece forzosamente allí para luego luego volver a salir. Así durante todo el video la cámara se mueve sin ir a un lugar fijo y permanece en una constante tensión visual entre superficie y profundidad, mientras el audio despiertan a modo de flash-back sensaciones que habitan en el inconsciente colectivo de Chile.

Intervención realizada en dos Salas de Ex Cruz Roja de la Reina, Santiago Chile. Wallpaper blanco y negro, diseñado por el autor de 100x 70 cms. cada uno (edición total 600 ejemplares) El diseño fue montado en una sala de manera vertical y en la otra horizontal. En cada sala había un objeto lumínico construido con tres tambores aceiteros standar, pintados al horno con pintura negra y montados sobre ellos 12 tubos fluorescentes de 36 watts casa uno.

PERCEPCIONES EOLICO/TOPOGRAFICAS / Pintura mural, ventiladores y una carpa con lineas rojas. La entrada a la sala fue clausurada con un gran vidrio que impedía el acceso. La instalación fue montada en el Laboratorio de Física del Colegio la Sagrada Familia, en el marco del 41 Salón de Colombia realizado en Calí.

Oficinas salitrera Humberstone. Pozo Almonte, Región de Tarapacá, Chile. Instalación en la Piscina de la ex oficina Salitera de Humberstone. Norte de Chile. 144 tambores para liquidos pintados a dos colores, 16 palets ensamblados como una sola balsa y carpa con lineas rojas y blancas para cuatro personas.

Muestra colectiva de artistas chilenos en NY, Artistas participantes: Monica Bengoa, Francisca Garcia, Nicolas Grum, Hoffmann's House (Jose Pablo Diaz - Rodrigo Vergara) Rodrigo Lobos, Mario Navarro, Alejandra Prieto, Camilo Yáñez ,Purdy Rocks, Patrick Hamilton, ian Szydlowski, Francisca Benítez, Diego Fernandez, Ivan Navarro + Huesorecords Rodrigo Pereda, Nutria (Christian Torres Roje)

Carta de ajuste, 4 Impresiones adhesivas instalada en las puertas norte y sur del segundo piso, Hall Central Museo Nacional de Bellas Artes. Cada impresión de 300 x 500 cms. / Edición 4/4

Seis ventiladores con diseños ópticos concéntricos, seis caballetes de madera, 4 telas ópticas de 180 x 140 cms, 185 mts de cuerda, 64 pinturas de colores planos sobre madera de 40 x 30 cms. 18 rejas de madera color gris, de 42 x 100 cms. pintura mural, esmalte al agua color rojo.

Muestra individual de Eduardo Martínez Bonati

Edición y diseño de la publicación POBLADO creada junto a Francisco Zegers Editor como parte del envío de Chileno a Cityscapes Feria de ARCO 2006. / Centro Cultural Matucana 100 y Galería Animal

Intervención efímera / Absolut Yáñez

V Bienal del Mercosur. Porto Alegre, Brasil.

Pintura mural realizada in situ; aparecen en la imagen, un paisaje, una linea de tren, un charco de agua, el atril y lo materiales de un pintor a plenair. El o los personajes no esta en la escena, solo hay paisaje, contexto y vacío.
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Hamburgo, Alemania.

“Me gusta pintar en un cuadrado porque no tienes que decidir si debe ser largo-largo o corto-corto: es simplemente un cuadrado. Jamás quise hacer otra cosa que cuadrados del mismo tamaño, pero entonces siempre viene alguien y me dice: “Tienes que hacerlo un poquito mayor” o “un poquito menor”. Creo que todos los cuadrados deberían tener el mismo tamaño y el mismo color para que fueran intercambiables y nadie pudiera pensar que tiene un cuadrado mejor o un cuadrado peor. Y si la única “obra maestra” fuera buena, todas lo serían. Además, aún cuando cambien los temas, la gente siempre pinta el mismo cuadro.” Andy Warhol Mi filosofia de AaB y de BaA

El concepto de la Iconofília como una corriente de rescate de antiguos íconos y de creación de nuevos símbolos para conciliar las manifestaciones plásticas. Se dio cabida a múltiples manifestaciones artísticas, tales como la pintura, pero también la fotografía, instalaciones, performances, arte digital, etc. En esta Bienal hubo la participación de 23 países, con 78 artistas que presentaron 75 obras. Museo de la Medicina, Cuenca, Ecuador.

Muestra individual retrospectiva del escultor chileno Federico Assler

El otro paisaje opera desde el campo de la pintura, y consiste en la utilización de la propia arquitectura de la sala –sus paredes- como soporte para una pintura mural que, a partir de la trama obtenida en base a un juego de líneas en colores verde y amarillo, “activa visualmente el espacio bajo la lógica de arte óptico”, como señala Yáñez, haciendo referencia a la vibración del color y la distorsión generada por el desplazamiento de los espectadores. Sobre este tramado, el artista dibuja una serie de elementos -pupitres escolares, implementos de aseo, mobiliario de oficina- tomados en su mayoría de los catálogos que regulaban los procesos de adquisición para las oficinas públicas, elaborados por el Ministerio de Hacienda en la década de los ochenta, y que son calificados por el artista como “gráfica fiscal”. Según Camilo Yáñez, “color pictórico eliminado el gesto, y dibujos gráficos pintados enfatizando la pintura, son convocados en este trabajo, donde el resultado es una operación pictográfica de ocupamiento espacial”.

Carlos Altamirano, Juan Francisco Gonzalez, Camilo Yáñez, curador Alberto Madrid.

Curatoría para la muestra Rúbrica, que consistió en enrojecer mediante recursos lumínicos calculados hasta el límite de la soportabilidad, todo el enorme espacio de exhibición de MATUCANA 100, vacío de objetos palpables. Se instalarón en el muro poniente del segundo piso -en los 14 espacios que separan las serchas- 14 textos tipografeados en neón rojo, los que por su similar estructura gramatical adquieren un caracter letánico: EL NEON ES MISERIA, EL NEON ES TORMENTO, EL NEON ES DEMENCIA, EL NEON ES DESDICHA, EL NEON ES ANGUSTIA, EL NEON ES SECRETO, etc. La muestra permaneció abierta al público durante 10 días seguidos, 24 horas cada día, abrió el 03 de octubre y cerró el 13 de octubre de 2003.

Exposición Frutos del país / Museo de Arte Contemporáneo de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile

Pintura Mural

100 carteles fotocopiados con el rostro  de Juan Francisco González emplazados en un campo sin plantar en Curacaví.

Registro fotográfico de diversos paisajes chilenos: costa, valle y cordillera, en formato 6 x 6 junto a una regla topográfica. Estas fotografías fueron posteriormente ampliadas en serigrafías son la base del proyecto del año 2013, Tierra Derecha.

1998, Fatigar al Discípulo, (individual)
Instituto Chileno Norteamericano.

Cuatro pinturas de 280 x 170 cms. Oleo y serigrafía sobre tela
Cuatro reproducciones pintadas al óleo de 40 x 30 cms, de Paisaje de Invierno, de Juan Francisco Gonzalez.

Vagando por las calles, mirando a la gente pasar...